domingo, diciembre 22, 2013

FINAL DE PARTIDA

FINAL DE PARTIDA (1957)


SINOPSIS

El título proviene del juego del ajedrez, cuando quedan pocas piezas en el tablero.  Al resistirse al final, aún en medio de la desgracia, queda la esperanza que convida la partida; para clov, partir significa morir, dada la dependencia  por no haber nada más, pero también es revelarse ante el yugo, romper con la cotidianidad de la comedia, dotada de una inmensa infelicidad.

Los personajes viven en un mundo muerto, estático donde el pesimismo aparece condimentado con un poco de humor cruel, negro y mordaz, la ambivalencia de los personajes, la negación, el vacío, llegar a cero, se reflejan en los gestos de mentir o callar, afirmar o replicar y son a su vez estos gestos los que evidencian el verdadero  sentido de la obra, en la contradicción aparecen las respuestas de la manera más simple, el último reducto de la vida se extingue inevitablemente hasta el punto en que la muerte no nos sorprende, aun cuando resulta ser la muerte de Nell, un aspecto importante, dada la situación, con esa muerte, muere  también el único símbolo de reproducción, una pista sobre la declinación a la que se acerca la civilización humana, como la conocemos, no conocemos el origen de tal decadencia, solo la insistencia de hamm por extender el final, y la preparación progresiva de clov por la partida. La cocina, La pared es espacio donde fragua una jugada un movimiento, un estado un anhelo, una conexión con lo desconocido. “Clov: Veo mi luz.”

La   eficacia   del uso de los   recursos en su expresión más obvia y la manera contundente como se presentan nos acerca al sentido minimalista de la pieza, En lo simple, lo repetitivo y lo obvio se hace evidente el más complejo drama humano. Hamm: “clov, será que estamos a punto de significar algo”.


”Si la dialéctica negativa exige la reflexión del pensamiento sobre sí mismo, esto implica palpablemente que, para ser verdadero, tiene, por lo menos hoy, que pensar también contra sí mismo. De no medirse con lo más extremo, con lo que escapa al concepto, se convierte en algo de la misma calaña que la de la música de acompañamiento con que las SS gustaban de cubrir los gritos de sus víctimas.” Dialéctica negativa, T.W. Adorno.



FICHA TÉCNICA

Obra: FINAL DE PARTIDA
Autor: Samuel Beckett
Director: MANUEL ARÉVALO


REPARTO

Hamm: ILSA MUNAR PASCUALES
Clov: FELIPE MANCO ALTAMAR
Nagg: CARLOS RODRÍGUEZ BOLÍVAR
Nell: JORGE LÓPEZ NAVARRO


EQUIPO TÉCNICO

Sonorización: REYNER GUERRERO RODRÍGUEZ
                    RUBÉN DE LA HOZ CABALLERO
       JAISON SIERRA ACOSTA
         VICTOR AMADOR CAMPO


Diseño de Iluminación: JAISON SIERRA ACOSTA
                                               MANUEL ARÉVALO GONZÁLEZ


Diseño de Escenografía: VICTOR AMADOR CAMPO
                                       NELSON DELGADO GÓMEZ


Diseño de Maquillaje: YAMAL ACOSTA MORENO 


DISTINCIÓN

MEJOR ACTOR
FESTIVAL REGIONAL DE TEATRO UNIVERSITARIO. Ascun-Cultura
(Cartagena)


viernes, diciembre 20, 2013

EL TRICICLO

 EL TRICICLO (1958)



SINOPSIS

Nos presenta  a un grupo de personas que por consecuencia de la presión del medio deciden marginarse, e insertarse en un mundo  en aparente lenguaje incoherente; con el triciclo como medio de sustento, intentan sobrevivir al recurrente ataque del mundo lógico evocado por ellos mismos. La obra se presenta en un lenguaje infantil aun en los personajes adultos, la ingenuidad y el juego, asociados con la niñez, provoca las situaciones absurdas. Se mantiene un orden cronológico en el que la sucesión de las proposiciones y secuencias de la acción siguen la lógica de la historia, las  anacronías que encontramos son narradas de tal manera que no alteran la acción; El mundo lógico opresor intenta permanentemente, entrar en el mundo ilógico oprimido. A pesar de la ingenuidad de los protagonistas, Arrabal describe las relaciones entre los seres humanos, es por eso que sus obras funcionan como un proceso catártico más intenso por la presencia de la ingenuidad y el sufrimiento de personajes infantiles.



ALGUNAS CONCLUSIONES

·    Arrabal representa su vida en sus personajes.
·    Se identifica a Mita como un rasgo del ideal de madre en un momento histórico de su vida.
·    Se identifica la intención de Mita de dirigir a Climando por el camino de la normatividad, lo induce por el camino del orden, es posible que su madre intentara atarlo a las convenciones sociales (“cuando ves a un guardia te quedas tan tranquilo como si fuera de tu familia”) la madre toma a su cargo hacerle entrar al yo en razón, integrarlo en la realidad.
·   Arrabal instala en escena al adulto ingenuo, inocente.
·   El Viejo es la conexión del mundo ilógico con el lógico, representa una fuerza que influye en el grupo, apoya a la madre en su idea de mantener el orden; “espía” (la flauta como el símbolo del juego silencioso, de la voz oculta)
·    Apal como fuente de conocimiento pronostica  sus destinos.
·  Relación de Apal y Climando, se evidencia el sentido de protección y la búsqueda de Climando por encontrarse con él mismo (el ideal de padre).
·    Evidencia del absurdo en la relación del opresor y el oprimido.
·  Los guardias imponen el orden, no hacen juicio solo toman decisiones; su lenguaje es incomprensible (el lenguaje de la autoridad).
·   Existe la división del personaje consciente / no consciente, en el interior del grupo oprimido.
·   El triciclo es la conexión con el sistema. 


FICHA TÉCNICA

Autor: Fernando Arrabal
Director: Manuel Arévalo

REPARTO
Apal: JAISON SIERRA ACOSTA
Climando: FELIPE MANCO ALTAMAR
Viejo de la Flauta: JORGE LÓPEZ
NAVARRO
Mita: ILSA MUNAR PASCUALES
Guardia: CARLOS RODRIGUEZ BOLÍVAR

EQUIPO TÉCNICO

Sonorización: NELSON DELGADO GÓMEZ
Diseño de Iluminación: MANUEL ARÉVALO GONZÁLEZ

Maquillaje: YAMAL ACOSTA MORENO
Vestuario: YAMAL ACOSTA MORENO
MANUEL ARÉVALO GONZÁLEZ


DISTINCIONES

Mejor Actor
FESTIVAL REGIONAL DE TEATRO UNIVERSITARIO. Ascun-Cultura
(Sincelejo)

Nominación a 
Mejor Actriz y Mejor Puesta en Escena
Premio: Mejor Actor, Mejor Iluminación, 
 FESTIVAL NACIONAL DE TEATRO UNIVERSITARIO. Ascún- Cultura
(Cartagena 2012)


REMINGTON 22

REMINGTON 22 - (1961)


SINOPSIS
Refleja los extremos de violencia, producto de las diferencias partidistas, entre los años 1945 y 1950, la relación fusil-maquina de escribir del año 22, son el símbolo de las herramientas que usaron los rojos y los azules para destruirse entre sí. Los acontecimientos anteriores a la muerte de los dos hermanos, aparecen en escena, para mostrarnos su denuncia acerca del desarrollo de la violencia colectiva, que hoy sigue haciendo estragos en nuestra casa.Padre y madre narran su padecimiento por la muerte de Gustavo y Jorge que a su vez son la radiografía del evidente retroceso en que nos encontramos, los múltiples acontecimientos nos revelan algunos métodos y consecuencias del conflicto, los cuales posteriormente son desdibujados, dada la necesidad de un pueblo por sentirse vivo y parte de un colectivo menos agreste, es así como la actividad deportiva, y los eventos populares, (un partido de futbol y un reinado) se convierten en el principal distractor  en medio de tanta barbarie. Al final con reinado de las atrocidades, nos queda ese sabor amargo de si deberíamos seguir indiferentes, y bajo la mirada del extraño que nos cuenta nuestra propia historia.



FICHA TÉCNICA

Autor: Gustavo Andrade Rivera 
Director: Manuel Arévalo González


REPARTO

Madre: ILSA MUNAR PASCUALES
Padre: JORGE LÓPEZ NAVARRO
Cura: CARLOS RODRÍGUEZ BOLÍVAR
Voceador: JAISON SIERRA RODRIGUEZ
Don Isidro: JAISON SIERRA ACOSTA
Jefe de los Bandidos: CARLOS RODRIGUEZ BOLÍVAR
Campesina*: JULIETH RAMIREZ DELGADO
Desplazado: JORGE LÓPEZ NAVARRO
Fotógrafo: JAISON SIERRA RODRIGUEZ
Presentador: FELIPE MANCO ALTAMAR
Reinas: ILSA MUNAR PASCUALES,
JULIETH RAMIREZ DELGADO
Gringo: CARLOS RODRIGUEZ BOLÍVAR


MUSICALIZACIÓN

CARLOS RODRIGUEZ BOLÍVAR
ILSA MUNAR PASCUALES


EQUIPO TÉCNICO

Iluminación: EMMANUEL BELLO RADA
Sonorización: NELSON DELGADO GÓMEZ


Maquillaje: YAMAL ACOSTA MORENO
Vestuario: CREACIÓN COLECTIVA




ANTÍGONA

Santa Marta, Agosto de 2009


SINOPSIS

Maestro de la "PIECE BIEN FAITE", una de las figuras mas brillantes del teatro francés de los años treinta y cuarenta. Su producción gira casi siempre en torno a una especie de mitología cuyos principios son sencillos, pero sus variaciones son casi infinitas. Como en la mayor parte de las mitologías, la marcha del mundo se caracteriza por la lucha entre el principio del mal y del bien, encarnado cada uno de ellos en personajes simbólicos. Por un lado, los viejos, los ricos, los deformes, los cobardes, los interesados, los mezquinos: los que la sociedad protege; por otro, los rebeldes, los intransigentes, los jóvenes, los puros, los imprudentes: los que son explotados y desmoralizados por los primeros, hasta hacerlos dudar de si mismos. Ningún acuerdo parece posible entre estos dos bandos, cuyos miembros son perfectamente lucidos. Las llamadas "piezas negras", mucho mas numerosas que sus "piezas rosas" terminan con la victoria de los malos.
Antígona (1942) es su drama más complejo y probablemente su obra maestra. En ella Anouilh recrea el clásico de Sófocles. Por una vez mantiene la balanza en equilibrio entre los dos bandos y sus idealistas tienen a quien dirigirse. Modificando apenas los datos de la leyenda e incluso la construcción dramática de la tragedia original, ha concentrado el interés sobre el personaje de Antígona. Las famosas "leyes no escritas" le importan muy poco. Ella ha sido preferida por Hemón, el hijo del rey Creón, a su hermana Ismena, porque ésta, más exigente ante la vida, quería recibirlo todo y darlo todo. Si ha enterrado a su hermano, a pesar de la prohibición, ha sido porque lo admiraba: era un hombre y mayor que ella. Frente a ella se yergue Creón (o Creonte), político inteligente y experimentado, que estima a Antígona y que antaño, antes de ser rey, ya la apreciaba. Consigue convencerla de que su hermano no merecía que ella muera por él y de que la razón de Estado le ha obligado a sentenciarla a muerte; pero no encuentra mas que débiles excusas para justificarse de haber aceptado su papel. Antígona, desengañada, persiste en su acto, que viene a ser un suicidio, porque considera al mundo inhabitable y porque teme que Hemón llegue a parecerse a su padre cuando sea rey. Antígona pertenece a la eternidad y no lleva ningún signo exterior de época; otros como Creón, muestran alguna preocupación por los problemas eternos, lo que da cierta nobleza a su lenguaje; otros, por ultimo, no se ocupan mas que del momento presente y llevan encima todos los signos, hasta los mas ridículos de lo que es perecedero.


FICHA TÉCNICA

Obra: ANTÍGONA
Autor: Jean Anouilh
Director: Manuel Arévalo


REPARTO

Antígona: DIANA DÍAZ CASTILLA
Ismena: JULIETH RAMIREZ DELGADO
Creón: VICTOR AMADOR CAMPO
Hemón: ANDY TEJEDA CANTILLO
Prólogo: CARLOS PEDROZO ACEVEDO
Guardia: RICARDO PEDROZO ACEVEDO
Coro: DANIEL FELIPE GUERRERO


MUSICALIZACIÓN

EYLEN PEÑA TORREGROSA
DANIEL FELIPE GUERRERO
VICTOR AMADOR CAMPO
IVÁN MENDOZA
JULIETTE PAREDES ACEVEDO
EDGARDO QUINTERO GUERRA


EQUIPO TÉCNICO

Maquillaje: YAMAL ACOSTA MORENO
Iluminación: ANDRU MÉNDEZ GONZÁLEZ, 
MANUEL ARÉVALO GONZÁLEZ
Sonido y Escenografía: SERGIO RUIZ DÁVILA
Vestuario: YAMAL ACOSTA MORENO,
MANUEL ARÉVALO GONZÁLEZ
Asistentes de Maquillaje y Vestuario:
ÁNGELA ESTRADA CAMACHO, 
JULIETTE PAREDES ACEVEDO


DISTINCIÓN

Mejor Actor
FESTIVAL REGIONAL DE TEATRO UNIVERSITARIO Ascun-Cultura
(Santa Marta)